Chema Madoz

Aunque él no lo sabe, consideramos a Chema Madoz el padrino de nuestro programa. Lo es porque fue nuestro primer invitado y sobre todo, porque recordamos aquella entrevista (13/12/2005) como una charla divertida con una persona muy interesante y dotada de ese encanto especial que sólo los tímidos poseen.

Chema recuerda con horror su primer empleo en un banco y asegura que en el fondo, no necesitó ser muy valiente para decidirse a abandonar aquel sueldo seguro y dedicarse a la fotografía.

Hablamos detenidamente sobre su proceso de trabajo y cómo surgen en su mente las ideas que luego transforma en “esculturas”, nacidas sólo para ser contempladas a través de su fotografía.

Chema Madoz asegura que su estudio se parece más al Rastro madrileño que al estudio de un fotógrafo porque en él podemos encontrar más trastos que trípodes, flashes u objetivos. Parte de la culpa de esta acumulación de cachivaches, la tiene cierto romanticismo que le impide tirar a la basura sus “inventos” una vez que los ha retratado.

Madoz, como todos los creadores, cada vez que termina una de sus obras teme no volver a ser capaz de imaginar algo nuevo.  Para él, cada fotografía tiene distintas lecturas, las que cada espectador encuentra en ella y le gusta cuando algún crítico relaciona su obra con la poesía, porque cree que su intención es la misma, comunicar ideas y emociones con los mínimos elementos posibles.  Cree que su obra evoluciona a un ritmo muy lento y entre risas asegura que esto es reflejo de su propia personalidad, reposada, sin fracturas.

Y como a nosotras nos gustan los buenos guisos, hechos con las mejores materias primas, sin artificios y a fuego muy lento, con el paso de los años seguimos considerando a Chema Madoz nuestro padrino, aunque él no lo sepa.

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Paco Gómez

El programa del 17/1/2007 lo dedicamos a los premios INJUVE, y en 2001 el galardonado con este premio fue nuestro invitado Paco Gómez por su trabajo de la República No Fotos. Con él hablamos sobre sus proyectos, sus fuentes de inspiración, la necesidad a veces de provocar a la realidad sobre todo si el azar no acompaña, hablamos también de la agencia Nophoto de la que forma parte y de mucho más.

Por ejemplo de su Proyecto K, en el que quiso fotografiar los sueños de Franz Kafka en sus últimos días de vida, cuando estaba ingresado en el sanatorio de tuborculosis donde murió en 1924. De hecho, los sueños son una de las máximas fuentes de inspiración de Paco Gómez ya que es en el duermevela, en esa fase tan provechosa antes de entrar en el sueño profundo cuando conecta con sus ideas creativas. Además de en los sueños, su trabajo fotográfico se inspira en los recuerdos, la literatura y el cine.

Paco Gómez es defensor del plagio y de compartir las ideas ya que “si todo el mundo tuviera para comer y una vivienda, el mundo tendería al infinito, no tiende al infinito porque están las barreras de las guerras, las enfermedades y además siempre hay alguien que es igual que tu, por tanto las ideas son finitas. Parto de la base de que las ideas son limitadas y por eso hay que compartirlas”.

Por supuesto también hablamos de los Modlins, esa familia de la que encontró una amplísima documentación y fotos, y sobre la que está trabajando hasta el día de hoy. Él era actor y ella pintora y el hijo además de modelo era la voz masculina de los aeropuertos. Todos sus enseres, incluidas sus fotografías acabaron en el cubo de la basura, y es ahí donde las encontró y donde comenzó uno de sus proyectos más amplios. Paco Gómez ahora está escribiendo un libro sobre ellos que publicará BlackieBooks.

Hablamos de todas esta cosas y escuchamos Youth culture Killed my dog de They Might be Giants.

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Chema Conesa

Chema Conesa no imaginaba que fuera a recibir el galardón a toda una trayectoria cuando le concedieron el Premio Bartolomé Ros de Photoespaña 2010: “No me entraba en la cabeza que otros me tuvieran en la cabeza”, afirmó el año pasado cuando se enteró de la noticia. Es el reconocimiento a la labor realizada como fotógrafo y también como director de la colección PHOTOBOLSILLO. Precisamente para hablarnos de la colección que dirige y en general de la edición de libros de fotografía le invitamos a participar en nuestro programa el 18/6/2006.

En la conversación Chema Conesa nos regaló frases tan contundentes y sugerentes como la siguiente:
“Si no tienes una mente interesante, difícilmente vas a hacer una fotografía interesante”, y nos explica la importancia de aprender fotografía, también de los libros.

Sin lugar a dudas es el convecimiento de lo que hace lo que le guía en su trabajo:
“El libro de fotografía es una especie de confesor y tiene el pálpito emocional de poder sujetarlo con las manos y verlo a la distancia del ojo que uno quiera, y si el libro está bien construido es un catálogo de emociones… el contacto con un libro es algo muy personal donde nadie te molesta y puedes pensar lo que quieras de la fotografía y tener una relación directa con la historia.”

Hablamos de los propósitos de la colección, de su difícil distribución en el extranjero a pesar de tener más éxito fuera que dentro de España, hablamos de su debilidad por la fotografía documental, y por supuesto de su trabajo fotográfico como retratista, “uno acaba siendo ladrón de imágenes”, nos dirá, “ya que tienes las consensuadas con el retratado y después todas las que no se publican y que te quedas”.

Justo antes, en el mismo programa entrevistamos a Jose Manuel Varela, director de la editorial Omnicon, que es la voz masculina que en un momento también le hace una pregunta, y escuchamos la potentísima Supernaturally de Nick Cave.

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Ramón Masats

Ramón Masats fue uno de los revolucionarios de la fotografía documental en la España de los años 50, dentro del grupo de fotógrafos que formaban La Palangana, como él mismo subraya.

No éramos conscientes de que estuviéramos retratando una época, hacíamos fotografías porque nos gustaba y hacíamos una fotografía que era nueva, pero no había una crítica, o sí la había, pero había que mirarla…”

Mucho cuidado había que tener en aquellos años. De hecho, a Masats le invitaron al Pardo a hacer un retrato al mismísimo Generalísimo y el Mismísimo quiso hacer las veces de ayudante, y ganas no le faltaron ¡hasta de dirigir la circulación de las nubes!

Los pueblos, el paisaje y todo en este país ha cambiado muchísimo, también el trabajo del fotógrafo, nos dirá. Con la toma de conciencia del derecho a la propia imagen es mucho más difícil retratar a la gente, se ha perdido mucha ingenuidad, asegura.

También nos cuenta cómo el seminarista portero de su famosa fotografía se reconoció en la imagen, le contactó y se reunió con él 46 años después. Y su búsqueda en Tomelloso por la explicación de esa línea de pintura que traza entre el suelo y la pared, la señora de otra de sus imágenes más conocidas (por favor si alguien sabe la explicación que nos la envíe).

Pero como el trabajo de Ramón Masats va mucho más allá de estos famosísimos iconos, por cortesía de la Galería Blanca Berlín incluimos una serie de imágenes en color que dan cuenta del magnífico ojo fotográfico de Masats.

En este programa de Camara Lúcida realizado el 27/03/2007 escuchamos Militar del disco El mundo según de Sr. Chinarro.

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Juan Manuel Castro Prieto

Licenciado en Ciencias Económicas, nunca llegó a ejercer como tal porque había otra fuerza pujando. El picor por la fotografía le surgió de hecho siendo todavía muy niño, cuando sólo soñaba con poseer una cámara de fotos. Se hizo a sí mismo como fotógrafo autodidacta sin maestros, se lamenta Castro Prieto, y salió adelante a base de aplicar la prueba, error y corrección.

Más que de influencias prefiere hablar de fotógrafos cuya obra le han impresionado. Martín Chambi es sin lugar a dudas su fotógrafo de referencia, tanto le marcó su paciencia, maneras y amor por la fotografía, que es a él a quien rinde homenaje en su proyecto sobre Perú que desarrolló durante 11 años.

Fotografía ventana y fotografía espejo:

“La pura fotografía documental por la cual estás viendo la realidad, esa famosa dicotomía entre fotografía ventana o espejo yo creo que no existe, en cierto modo creo que siempre estamos viéndonos a nosotros mismos, siempre está el componente que añade el fotógrafo que es la parte subjetiva, si no seríamos meros registradores de la realidad” toda ventana siempre da algo de reflejo…, además nos dirá: “Los fotógrafos siempre andamos dando vueltas a lo mismo, lo único que cambiamos es la forma de contar las historias. Yo también he estado dando vuelta siempre a lo mismo. Todo artista o fotógrafo tiene que ser un poco obsesivo.”

Sobre sus obsesiones le interrogamos entre otras cosas en esta entrevista, en la que hubo muchas risas y momentos amenos (18/03/2007). Antes de comenzar leímos en antena la siguiente cita del libro La Cámara Lúcida de Roland Barthes:

“Me ocurría algo parecido a lo que le ocurrió a ese amigo que se había inclinado por la Foto por el mero hecho de que ésta le permitía fotografiar a su hijo. Como Spectator; sólo me interesaba por la fotografía por sentimiento, y yo quería profundizarlo no como una cuestión o un tema, sino como una herida: veo, siento, luego noto, miro y pienso.”

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Ouka Leele

Posiblemente el día que en Fotografía para los oídos más nos acercamos a la sinestesia de hacer fotografía radiofónica fue cuando invitamos al programa a Ouka Leele (05/03/2006). Acababa de publicar un libro de poemas y nos leyó uno titulado Magia, creando toda una serie de imágenes en la mente de los oyentes:

Magia

Todo arde, los volcanes, una zarza, el sol

Yo no soy, soy mil

El agua, el agua no arde

Ardua tarea tejer una trama

Sonrosados tus pies tanto andar

Magia

Yo no puedo hacer que seas

Alas de oro para un pájaro azul oscuro

Si fuera invisible estaría contigo cuando estás a solas

Piedras preciosas, amo tu soledad

—-

Te invitamos a enviar a programacamaralucida@yahoo.es la descripción del paisaje que transcurre en tu mente o directamente una fotografía si la tienes que asocies con este poema. También puedes escucharlo en nuestro podcast, en voz de la propia Ouka Leele.

En el rato que pasamos con la fotógrafa nos dijo que “Un artista que se anquilosa en un estilo no es un artista sincero, me resulta muy difícil pensar que alguien pueda estar durante 60 años haciendo Sauras o haciendo Chillidas”. Por eso cuando siente que se está anquilosando ella se reinventa. Por ejemplo en 2004 acababa de enfrentarse a un nuevo reto, pintar un mural de 300 m2 en Murcia.

Llegamos a hablar hasta de la carne y de la fruta, y de por qué tienen tanta presencia en sus imágenes. También escuchamos la deliciosa Streets of your Town del disco 16 Lovers Lane de The Go-Betweens. Adelante:

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Atelier Retaguardia* Martí Llorens y Rebecca Mutell

Ese pavor fascinante que debieron sentir los que estaban ahí cuando nació la fotografía es lo que se puede llegar a sentir al entrar en el universo del Atelier Retaguardia. Esa emoción de quienes vieron aparecer por arte y efecto de los químicos la réplica de su rostro, su figura, edificios y paisajes sobre diferentes soportes.

El Atelier Retaguardia es un equipo de cinco fotógrafos (Martí Llorens, Rebecca Mutell, Arcangela Regis, Israel Ariño y Xavier Mulet) que para sus proyectos más personales recrean y reviven las técnicas fotográficas del siglo XIX. Al mismo tiempo están realizando una labor muy importante de investigación, coleccionismo, preservación y transmisión de esto que supone un auténtico patrimonio intangible de la humanidad.

Porque no es obligatorio vivir el momento histórico que a uno le ha tocado, ellos proponen tomar perspectiva y elegir libremente el periodo, recursos y técnicas de la historia que más nos gusten. Es todo un ejercicio de libertad. Para ellos el periodo más rico de la fotografía está entre 1839 y 1870 y por eso invitan a este viaje en el tiempo, este viaje “a la era en la que la instantánea no era posible” como nos dice Martí Llorens en la entrevista . A nivel formal y artístico los resultados son muy interesantes, no hay más que ver la galería fotográfica que incluimos más abajo.

Con el tiempo además han ido desarrollando actividades como talleres y demostraciones prácticas. Próximamente los días 25,26 y 27 de febrero ofrecen el taller “El ADN de la fotografía” impartido por Alejandro Castellote, en el que se hará un análisis de la información “genética” de las primeras fotografías. En el mes de marzo Juan Valbuena y Paco Gómez del colectivo NOPHOTO, impartirán un taller dirigido a quienes quieran desarrollar trabajos de creación en el medio. Y más adelante habrá uno de introducción al colodión húmedo y otros dos titulados “Territorios del Ver” y “Fotografía y creación”. Toda la información se puede consultar en su página web.

En la entrevista que les hicimos (25.6.09) nos explican el término heliografía, que significa escritura del sol, la esencia al fin y al cabo de la fotografía, nos hablan de las técnicas que engloba (ambrotipos, ferrotipos,etc.) y cómo ha ido variando su significado a lo largo de los siglos. Ellos a heliografía le ponen el adjetivo de contemporánea. Se les puede visitar en su sede repleta de cámaras antiguas, laboratorios portátiles, químicos y muchos libros, en la calle Riereta nº 20 bis, en Barcelona.

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